Ausgewählte Forschungsprojekte

Der Belohnungsvorhersagefehler und seine Relevanz für Musik

In einem Forschungsseminar widmeten wir uns in einer interdisziplinären Konstellation aus Musik- und Psychologiestudierenden der Frage, welche Erklärungsleistung das relativ junge neurobiologische Konzept des Belohnungsvorhersagefehlers bezogen auf Musik bietet. Es wurde dabei versuchsweise auf kurzfristige (Tonfolgen, Kadenzen usw.), mittelfristige (Formverläufe) und langfristige (Abfolge von Stilen und Epochen) angewendet. Auch wurden existierende experimentelle Paradigmen, die nur zwischen Erfüllung und Verletzung von Erwartungen unterscheiden, differenziert . Neben diesen theoretischen Klärungen erfolgten einige Pretests mit dem Continuous Response Digital Interface (CRDI). Eine konkrete Umsetzung fand das Verfahren in folgender Examensarbeit:

Römer, Johanna (2016): Das Verhältnis von Präferenz und Erwartung im musikalischen Verlauf. Universität Kassel, FB01, Institut für Musik, Staatsexamensarbeit.

Die Ergebnisse werden als Poster auf der "Neuroscience and Music 7" in Aarhus, Dänemark, vorgestellt.

Qualitative Inhaltsanalyse klassischer Texte der Musikästhetik

In der üblichen Darstellung werden die zu ihrer jeweiligen Zeit vorherrschenden musikästhetischen Konzepte und Funktionen vor allem als historisch-transitorisch dargestellt. Die Lobpreisung Gottes gehört somit ins Mittelalter, stilisierte Affekte kennzeichnen Barockmusik, Emotionen die Romantik und Eigengesetzlichkeit die Moderne. In diesem Forschungsprojekt abstrahieren wir in heuristischer Weise von den jeweiligen historischen Kontexten. Mit Prinzipien der qualitativen Inhaltsanalyse werden stattdessen über die Jahrhunderte immer wiederkehrende Motive der Musikästhetik identifiziert, was neuen Raum für die Diskussion ihrer jeweiligen Relevanz schafft. Das Kategoriensystem zur Codierung ist fertig gestellt und wurde bereits auf einen breiten Textkorpus angewendet. Eine konkrete Umsetzung fand das Verfahren in folgender Examensarbeit:

Uebach, Wilhelm (2019): Qualitative Inhaltsanalyse klassischer Texte der romantischen Musikästhetik. Universität Kassel, FB01, Institut für Musik, Staatsexamensarbeit.

Eine Theorie der Blue Note

Was ist eine Blue Note? Die bisherige Forschungsliteratur zu dieser Frage ist genealogisch oder deskriptiv angelegt, d.h. es wird entweder eine Herleitung (etwa aus afrikanischen Skalen) versucht, oder es werden schlichtweg entsprechende Tonstufen wie verminderte Durterz, verminderte Durseptime oder auch die verminderte Quinte benannt. Dabei bleibt unklar, ob diese "Verminderungen" als Abweichungen von einer Normskala angesehen werden sollten. Gleichwohl wird Blue Notes vor allem in der populären Musik eine besondere Ausdrucksqualität zugeschrieben. Vor dem Hintergrund der Konsonanztheorie von Martin Ebeling wird in diesem Projekt eine neue, wahrnehmungsbasierte Theorie der Blue Note entwickelt und in Experimenten empirisch überprüft. Siehe dazugehöriges Poster.

Der Schrei in der Musik

Der erste Laut, den ein Mensch von sich gibt, ist in der Regel ein Schrei. Erst später im individuellen Entwicklungsverlauf differenzieren sich Lautäußerungen in Sprache und Musik. In beiden aber hat sich der Schrei erhalten und kommt sowohl in der Kunstmusik als auch in der populären Musik vor. Aber welche verschiedenen Funktionen hat der Schrei? Welche dazugehörigen psychoakustischen Charakteristika? Wie wirkt er auf die Rezipienten? Dies ist das Thema eines Forschungsseminars im SS 2019. Die Ergebnisse wurden als Poster auf der DGM 2019 in Eichstätt vorgestellt.

The aesthetics of loudness

This project will focus on an elementary, but very important category: the loudness of music. It seems of subordinate importance whether the technical sound pressure level (measured in decibels )(Fletcher & Munson 1933) or the subjectively perceived volume level (measured in phon or sone) (Louven, Oehler, Lehmann, & Kopiez 2018) is addressed. Rather, what seems crucial to popular music is that, at least in certain genres, an increase in volume not only causes a linear increase in intensity, but also enables novel experiences. With the concept of the rock'n'roll-threshold, (Todd & Cody 2000) for first time provided evidence, why (in certain frequency ranges and from about 90dB) body movement is induced automatically. From about 1970, different rock bands outdid each other with the predicate "The loudest band in the world"(Guggenheim 2010), and later this trend was also adopted in the House / Electronica area (for example by Leftfield). Here, the acoustic threshold of pain (from approx. 120dB) was clearly exceeded. However, fans and followers must experience some kind of pleasure from these events.
The reciprocal fertilization of pleasure and pain, which was previously known from the blues (Schubert 1996; 2016), now seems to be taking effect, whereby volume develops into an independent aesthetic category. However, there is hardly any (empirical) research on this, which is why the question is first raised as to whether Jacques Lacan's theory of jouissance (Evans 2002) is suitable for exploring the borderline between pleasure and pain in cultural studies

Fletcher, Harvey & Munson, Wilden A. (1933): Loudness, its definition, measurement, and calculation. Journal of the Acoustical Society of America, 5, S. 82-108.
Schubert, Emery (1996): Enjoyment of negative emotions in music. An associative network explanation. Psychology of Music, 24, S. 18-28.
Todd, Neil P. McAngus & Cody, Frederick (2000): Vestibular responses to loud dance music: A physiological basis of the "rock and roll threshold"? Journal of the Acoustical Society of America, 107 (1), S. 496-500.
Evans, Dylan (2002): Artikel "Genießen". In: Wörterbuch der Lacanschen Psychoanalyse (S. 113-115). Wien: Turia + Kant.
Guggenheim, Davis (2010): It might get loud: Drei Musiker, drei Generationen, jede Menge Gitarren / The Edge ; Jimmy Page ; Jack White [DVD, 98 min.]. USA: Arsenal Film.
Schubert, Emery (2016): Enjoying Sad Music: Paradox or Parallel Processes? Front Hum Neurosci, 10, S. 312
Louven, Christoph; Oehler, Michael; Lehmann, Andreas C. & Kopiez, Reinhard (2018): Psychoakustische Grundlagen des Musikhörens. In: Lehmann, Andreas C. (Hrsg.): Handbuch Musikpsychologie (S. 483-511). Göttingen: Hogrefe.

The pleasure of recognition (upcoming)

Many people share the experience of listening to music on the radio or at other occasions which triggers a sense of familiarity. A pop fan might believe this is a personally unknown song and name an otherwise familiar band, whereas an adept of classical music might identify the style and try an approximation ('this must be either Brahms or Tchaikovsky'). Both will be eager to hear the speaker's announcements or use other channels (e.g. station's playlists on the internet) to clarify their assumptions. A sense of reward will be felt if these were correct: the pleasure of recognition. The assumption behind this research project is that recognizing music is not a simple mechanism based on knowledge and repertoire. Instead, it seems to be an aesthetic judgement on its own involving all dimensions of music appreciation. For example, a piece of music will internally be rated higher if it is believed to stem from an renowned band or composer. In addition, the pleasure of recognition has a strong social component, because (not) recognizing music in private or professional company implies social inclusion/exclusion. This project will be based on an online-questionnaire including music examples which will individually be prepared after assessing a person's musical preferences.

Feeling the groove while listening to music (upcoming)

The continuous response digital interface is an 8-channel device consisting of 8 dials to register reactions while listening to music in real time (Geringer, Madsen, & Gregory, 2004). In has previously been used to assess positive or negative reactions to music (Madsen, 1998), the degree of surprise (Römer, 2016), perception of musical form (Hemming, 2006) or colour associations. In this research-project, we will address one of the central issues of research into rhythm and meter in music: the perception of groove. Existing approaches use qualitative and quantitative procedures but are often based on the premise that the music examples used are somewhat 'groovy' (Frühauf, Kopiez, & Platz, 2013; Pfleiderer, 2011). In this research, we will employ longer music examples from all genres including classical and contemporary music to exactly identify which parts are 'groovier' than others. Subsequently, established procedures and paradigms from rhythm research (adjective-lists, microtiming, exactitude-hypothesis, systematic vs. unsystemaic individual timing variantions etc., Senn & Kopiez, 2018) will be applied.

Frühauf, J., Kopiez, R., & Platz, F. (2013). Music on the timing grid: The influence of microtiming on the perceived groove quality of a simple drum pattern performance. Musicae Scientiae, 17(2), 246-260.
Geringer, J., Madsen, C., & Gregory, D. (2004). A fifteen-year history of the Continuous Response Digital Interface. Bulletin of the Council for Research in Music Education, 160(Spring), 1-15.
Hemming, J. (2006). "Multiparadigmatische Musik". Antrittsvorlesung gehalten am 8.11.2006 an der Universität Kassel. Retrieved from https://www.researchgate.net/publication/305329763_Multiparadigmatische_Musik [22.10.2018] doi:10.13140/RG.2.1.1285.0164
Madsen, C. (1998). Emotion versus tension in Haydn's symphony No. 104 as measured by the two-dimensional continuous response digital interface. Journal of Research in Music Education, 46(4), 546-554.

Pfleiderer
, M. (2011). Dimensionen der Groove-Erfahrung. Eine empirische Studie. PopScriptum, 11, 1-27.
Römer
, J. (2016). Das Verhältnis von Präferenz und Erwartung im musikalischen Verlauf. Universität Kassel, FB01, Institut für Musik, Staatsexamensarbeit.  
Senn
, O., & Kopiez, R. (2018). Musikalisches Entrainment: Rhythmus - Microtiming - Swing - Groove. In A. C. Lehmann & R. Kopiez (Eds.), Handbuch Musikpsychologie (pp. 543-568). Göttingen: Hogrefe.

Mental disequilibrium as a source for creativity and/or expression in music (upcoming)

Schoenberg composed one of the first pieces of atonal music op. 19 no. 6 under the impression of the death of Gustav Mahler. Throughout all times in history and across all genres, a kind of mental disequilibrium seems to have been an excellent source for creativity and/or expression in music, both among professionals and amateurs, and among performers and writers/composers. This is true in both a positive and a negative sense: feelings of joy or of being in love can be just as inspiring as experiencing personal depression ('feeling blue'), social injustice or even war. But one may lose inspiration if everything is just 'alright and going well'. This research project aims at turning these provisional assumptions into hypotheses. It is based on three main components: One consists of historical-philological work and aims at a list of works where a mental disequilibrium can be verified as a source of creativity (not every writer of a requiem or blues song necessarily felt bad). The second part of the project will address composers and writers with a history of creative output and will try to identify sources of creativity in retrospect mainly using narrative interviews. The third part of the project will try to identify works where creative/expressive processes or blockages are addressed themselves (e.g. Rush "Losing it").